Matte Painting: desde «Viaje a la Luna» hasta «Game of Thrones»

A mi amigo Jorge Pucheaux, que me inspiró a investigar sobre el tema, y a todos los veteranos del equipo de trucaje del ICAIC.

Parrhasius fue uno de los grandes pintores de la Antigua Grecia, que se destacó sobre todo para el 399 AC por el realismo de sus pinturas. Plini el Mayor, autor de la enciclopedia «Naturalis Historia», nos cuenta en ella la anécdota -no comprobable- de un reto entre Parrhasius y Zeuxis, otro afamado pintor de la época: quien pintara el cuadro más realista, se proclamaría el mejor pintor de Grecia.

Zeuxis pinta un cuadro con frutas, tan perfecto y dominando una técnica tan exquisita que, al mostrarlo, algunas aves que merodeaban el lugar se abalanzaron sobre la pintura una y otra vez para poder comer lo que solo era una ilusión muy apetitosa. Zeuxis había lograda engañar a las aves. Decidido ante tamaña victoria se encamina con un grupo de seguidores al estudio de Parrhasius, y le pide que muestre pieza, cubierta por una gigantesca cortina que cubría una pared.

Parrhasius le pide al adversario que él mismo la descorra pero, al hacerlo, Zeuxis se percata de que la cortina no era una cortina, sino una pintura hiperrealista de la misma. Zeuxis engañó a las aves, pero Parrhasius engañó a Zeuxis y al resto de sus acólitos.

El poder de algunos artistas de crear obras pictóricas que doblegaran el raciocinio y crearan la ilusión de absoluta veracidad ha entusiasmado desde tiempos remotos a muchos creadores, que se han valido de este recurso, en conjunción con otras técnicas, para dotar de un valor agregado a sus representaciones.

El cine nunca fue ajeno, desde sus mismos inicios en 1895, a tales pretensiones. Lo más difícil era reflejar la tridimensionalidad de la realidad en un soporte bidimensional. Pero ya eso lo había resuelto en el siglo XV el italiano Filippo Brunelleschi, pintor y arquitecto renacentista, quien aplicó las leyes de la geometría proyectiva para dotar de profundidad al lienzo utilizando el método de la perspectiva.

Es famoso el experimiento de Brunelleschi, quien pintó un lienzo pequeño del famoso Baptisterio, una edificación icónica de Florencia, al que le hizo una incisión hueca en su punto de fuga. Cualquiera que mirara el cuadro de cerca podía ver el paisaje que se encontraba a través de esa incisión.

Cuando una persona se ubicaba en la puerta de la catedral y miraba al Baptisterio por el orificio por detrás de la pintura, con un espejo en la otra mano podía verificar que la imagen pintada correspondía exactamente al edificio real. Para completar el efecto, coloreó con pintura metálica el cielo, de manera que el asombrado público podía observar como las nubes reales se reflejaban y se movían empujadas por el viento sobre las edificaciones de aspecto realista.

Ese realismo fue explotado al máximo por uno de los grandes genios de la historia del cine, Georges Méliès, un ilusionista reconvertido, quien dotó a este naciente arte de la capacidad de espectacularidad y de reinvención de la realidad al orientar sus trucos ópticos y sus escenografías teatrales al celuloide.

Norman Dawn, un joven artista que había quedado maravillado con esos trucos de espejos y luces que usaba Méliès, y a quien conoció en sus estudios en París en 1907, ideó una aplicación práctica de los paneles de Brunelleschi para poder mostrar en pantalla cosas que realmente no estaban sucediendo delante del objetivo, combinando decorados reales y pintados mediante la superposición de vidrios o espejos de tamaño gigante delante de la cámara, girados unos grados de tal forma que reflejase un escenario del otro lado del plató. De esta forma combinaba dos escenas en el mismo plano y en una sola toma.

Si utilizaba el espejo, le rasgaba a éste cuidadosamente el metal posterior por algunas zonas para dejar ver en tiempo real el otro decorado detrás del mismo. En ocasiones se pintaba también sobre el espejo, para agregar objetos o paisajes no existentes en el decorado que se reflejaba. A esta técnica muy innovadora para la época, y que aún hoy se sigue utilizando, se le llamó matte painting.

Si no utilizaba el espejo, y simplemente se utilizaba un simple vidrio pintado, a esta variante se le denominó glass shot. Pero, en general, a ambas se les conoce por el nombre genérico de matte painting.

Norman Dawn tuvo que dejar Francia para irse a trabajar a Los Ángeles como fotógrafo. Su descubrimiento cautivó a Hollywood, que vio la posibilidad de que sus decorados pudieran aumentar de tamaño de manera espectacular y cautivar a los espectadores de la época. Pero el uso de esos espejos o cristales gigantescos en locaciones ajenas a un set con condiciones controladas traía consigo problemas prácticos y, también, financieros.

Dawn siguió en su empeño de investigación y en 1914 propone otra estrategia: utilizar un pequeño cristal colocado frente a la cámara en cualquier escenario (estudio o exteriores) y pintar de negro las zonas donde después, en laboratorio, se “agregaría” el decorado artificial.

Así, mediante la técnica de “doble exposición” del celuloide, se volvería a filmar el decorado agregado, pero esta vez invirtiendo las zonas negras. Una vez revelada la cinta, tendríamos la composición final.

He aquí algunos ejemplos de cintas muy famosas que utilizaron esta técnica.

La tecnología siguió su avance implacable, y el descubrimiento de los cristales antireflectantes acabó por consolidar el matte painting y el glass shot como técnicas de amplísimo uso y actualidad. Estas técnicas de «pintura mate» también se combinaron con miniaturas, maquetas y proyecciones hasta la aparición de las técnicas digitales, donde los trucajes han alcanzado un grado de perfección y detallismo impresionante.

George Lucas utilizaría el matte painting de manera cautivante en las 3 primeras sagas de “Star Wars”

Steven Spielberg haría uso de la misma desde “ET” hasta “Indiana Jones”.

James Cameron incluso pintaría los decorados virtuales que utilizó en muchos de sus filmes.

Para los que creen que en esta época de ordenadores digitales ya el matte painting está en desuso, aquí les dejamos un fotograma de la famosa serie “Game of Thrones”, donde se utiliza de manera rápida, económica y altamente virtuosa.

En Cuba fue utilizada con una eficacia rotunda en la escena del estadio de baseball del filme «Clandestinos», de 1980, del cineasta Fernando Pérez.

Charles Chaplin utilizó el matte painting en una de las escenas más conocidas de “Modern Times”, en 1936. Aquí un video donde puede apreciarse la puesta en cámara para realizar el efecto:

Y aquí otro video con la escena de las patinetas con su «compositing» finalizado:

Stanley Kubrick utilizaría la técnica del matte painting de diversas maneras, como la retroproyección a través de la técnica del espejo de Méliès y Dawn, o la más ingeniosa y virtuosa de todas con el uso del cristal antireflectante.

Para muchos él es el creador de la escena más representativa del mejor uso de los efectos visuales en la historia del cine, por su ingeniosidad y escases de recursos para lograr un efecto aun alucinante y memorable.

Nos referimos a la escena del ‘floating pen’ de “2001 A Space Odyssey”, de 1968, en la que Kubrick colocó y pegó un bolígrafo sobre un cristal y lo movió frente a la cámara como si estuviera flotando, mientras la astronauta se acerca por el pasillo de la nave espacial. Luego ella lo toma y lo coloca en el bolsillo de otro astronauta, que duerme.

Aún conociendo el procedimiento utilizado, e inclusive notando -con muchísima sutileza- el momento justo en que despega el bolígrafo del cristal, resulta conmovedor imaginar el esfuerzo invertido por este artista obsesivamente meticuloso y perfeccionista para lograr algo que hoy es tan “fácil” con el uso del CGI y otros procedimientos digitales.